Fue un verdadero original con sus propios estilos distintivos en clarinete alto, flauta ybajo. Su música cayó en la categoría de "vanguardia", pero no descartó por completo la improvisación de acordes (aunque la relación de sus notas con los acordes era a menudo bastante abstracta). Mientras que la mayoría de los otros músicos de "free jazz" sonaban muy serios al tocar, los solos de Dolphy a menudo parecían exultantes y exuberantes. Sus improvisaciones utilizaron intervalos muy amplios, una variedad de sonidos parecidos al habla no musicales y su propia lógica. Aunque el alto fue su principal hacha, Dolphy fue el primer flautista en ir más allá del bop (influyendo en James Newton) e introdujo en gran medida el clarinete bajo en el jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de Coleman Hawkins ) en grabar solos de trompeta sin acompañamiento, precediendo a Anthony Braxton por cinco años. Jazz libreEric Dolphy grabó por primera vez mientras estaba con Roy Porter & His Orchestra (1948-1950) en Los Ángeles, estuvo en el ejército durante dos años, y luego tocó en la oscuridad en Los Ángeles hasta que se unió al Quinteto de Chico Hamilton en 1958. En 1959 Se instaló en Nueva York y pronto fue miembro del Cuarteto Charles Mingus . En 1960 Dolphy grababa regularmente como líder de Prestige y ganaba atención por su trabajo con Mingus , pero a lo largo de su corta carrera tuvo dificultades para conseguir un trabajo estable debido a su estilo muy avanzado. Dolphy grabó bastante durante 1960-1961, incluidos tres álbumes cortados en Five Spot mientras estaba con el trompetista Booker Little ,Free Jazz con Ornette Coleman , sesiones con Max Roach y algunas fechas europeas. Salir a comerA finales de 1961 Dolphy formó parte del John Coltrane Quintet ; su compromiso en el Village Vanguard hizo que los críticos conservadores trataran de difamarlos por tocar "anti-jazz" debido a los solos largos y muy libres.
Durante 1962-1963, Dolphy tocó música de tercer flujo con Gunther Schuller y Orchestra USA , y rara vez tocó con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que posiblemente fue la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Después de que eligió quedarse en Europa, Dolphy Tuvo algunos conciertos pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida. Prácticamente todas las grabaciones de Eric Dolphy están impresas, incluida una caja de nueve CD de todas sus sesiones de Prestige. Además, Dolphy se puede ver en una película con John Coltrane (incluido en The Coltrane Legacy ) y con Mingus de 1964 en un video publicado por Shanachie. ~ Scott Yanow (allmusic)
Eric Dolphy 's The Complete Jazz Latino Sides, emitidos como una compilación de Gambit, coloca dos sesiones de 1960 diferentes para diferentes etiquetas en conjunto, así como un bonus track tomado de Max Roach ' s álbum de percusión dulce amargo para cerrar el disco hacia arriba. A pesar de la facturación del Latin Jazz Quintet , el único punto en común en estas formaciones era Dolphy tocando el clarinete alto, flauta y bajo. La primera sesión se tituló Caribé por el Latin Jazz Quintet + Eric Dolphy . Fue grabado por Rudy Van Gelder en 1960 para Prestige bajo su sello New Jazz (número de catálogo 8251). El cartel estuvo formado por Juan Amalberten congas; Gene Casey al piano; el bajista Bill Ellington ; el vibrafonista Charlie Simons ; y Manny Ramos en batería y timbales. Todo el conjunto tiene un aire relajado, más afrocubano que cualquier otra cosa, y su punto culminante es sin duda la canción principal, escrita por Casey . La banda no impulsa a Dolphy a usar sus considerables habilidades, pero no es perezoso. En cambio, este es el lado lírico del gran músico, que está interesado en cortejar a losoyentes en lugar de alejarlos. El trabajo de las vibraciones de Simons es una hermosa contraparte de Dolphyestá en los tres instrumentos, pero particularmente en la flauta.
La segunda sesión incluida aquí fue anunciada simplemente como The Latin Jazz Quintet y fue lanzada en United Artists como UAL 4071. Fue grabada más adelante en el año con una alineación que presenta a Dolphy bajo el liderazgo del vibrafonista Felipe Díaz con el pianista Arthur Jenkins , Bobby Rodríguez en el bajo, Tommy Lopez en las congas y Louis Ramirez en los timbales. La música consiste principalmente en versiones latinas de estándares de jazz como "Speak Low", "A Night in Tunisia", "You Don't Know What Love Is", etc. Díaz está en la primera línea con Dolphy.cara a cara en la encantadora - y ligeramente humorística - "Cha Cha King", así como en "I Wish I Were in Love Again", donde Dolphy usa su alto para moverse un poco hacia afuera. El corte final, "El hombre de Sudáfrica", de una sesión de 1961 con Roach , presenta a Dolphy en compañía de Booker Little , Julian Priester , Clifford Jordan , Mal Waldron y Art Davis . No hace falta decir que se cocina más caliente que cualquier otra cosa aquí. Este set, aunque es una escucha hermosa y lírica, es probable que atraiga principalmente a Dolphycompletistas debido a su inusual escenario exótico, pero dicho esto, no lo hace menos convincente que cualquier otra cosa que haya grabado durante el período. La compilación Gambit viene con un folleto de 12 páginas que contiene fotos de la portada original, sesionografía completa y notas elementales. Thom Jurek ~ (allmusic)
Eric Dolphy-The Complete Latin Jazz Sides (2009)
Temas:
01. Caribé
02.Blues in 6/8
03. First Bass Line
04. Mambo Ricci
05. Spring Is Here
06. Sunday Go-Meetin'
07. You're the Cutest One
08. Speak Low
09. I Got Rhythm
10. A Night in Tunisia
11. Cha Cha King
12. I Wish I Were in Love Again
13. You Don't Know What Love Is
14. Lover
15. Mangolina
16. April Rain
17. Man from South Africa
Musicos:
Eric Dolphy (saxo alto, flauta y clarinete bajo, en todas las pistas)
Pistas del1 al 6. El Quinteto De Jazz Latino & Eric Dolphy: Caribé
Juan Amalbert (conga), Gene Casey (piano),
Bill Ellington (bajo), Charlie Simons (vibráfono),
Manny Ramos (batería, timbales).
Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 19 de agosto de 1960.
Pistas del 7 al 16. Quinteto De Jazz Latino & Eric Dolphy:
Felipe Díaz (líder, vibráfono), Arthur Jenkins (piano), Bobby Rodríguez (bajo),
Tommy López (conga), Louie Ramírez (timbales).
Nueva York, finales de 1960.
17 Pista Adicional: Booker Little (trompeta), Julian Priester (trombón),
Clifford Jordan (saxo tenor), Mal Waldron (piano), Art Davis (bajo), Max Roach (batería).
Eric Dolphy fue un verdadero original con sus propios estilos distintivos en el alto, la flauta y el clarinete bajo. Su música entraba en la categoría de "vanguardia", pero no descartaba por completo la improvisación con acordes (aunque la relación de sus notas con los acordes era a menudo bastante abstracta). Mientras que la mayoría de los demás intérpretes de "free jazz" sonaban muy serios en su forma de tocar, los solos de Dolphy a menudo resultaban extasiados y exuberantes. Sus improvisaciones utilizaban intervalos muy amplios, una variedad de sonidos no musicales parecidos a un discurso, y su propia lógica. Aunque el contralto era su eje principal, Dolphy fue el primer flautista en ir más allá del bop (influyendo en James Newton) e introdujo en gran medida el clarinete bajo en el jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de Coleman Hawkins) en grabar solos de trompa sin acompañamiento, precediendo a Anthony Braxton en cinco años. Eric Dolphy grabó por primera vez mientras formaba parte de Roy Porter & His Orchestra (1948-1950) en Los Ángeles, estuvo en el ejército durante dos años y luego tocó en la oscuridad en Los Ángeles hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se instaló en Nueva York y pronto fue miembro del Charles Mingus Quartet. En 1960 Dolphy ya grababa regularmente como líder para Prestige y ganaba atención por su trabajo con Mingus, pero a lo largo de su corta carrera tuvo dificultades para conseguir trabajo estable debido a su estilo tan avanzado. Dolphy grabó bastante durante 1960-1961, incluyendo tres álbumes grabados en el Five Spot mientras estaba con el trompetista Booker Little, Free Jazz con Ornette Coleman, sesiones con Max Roach y algunas fechas europeas. A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida. A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida._Scott Yanow (allmusic)
Este disco es el equivalente a lanzar un cartucho de dinamita en una cena tranquila y ordenada, hacer que la dinamita estalle con un estallido y, de alguna manera, dejar todo en su sitio. Así es el volátil Eric Dolphy, un grave lamento en el saxo alto y aún más idiosincrásico y radical en el clarinete bajo, que irrumpe en la guarida del Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert y no los perturba en lo más mínimo. El tema que da título al disco es una auténtica esquizofrenia, el LJQ se pasea en un blues con acento de conga mientras Dolphy dispara por todas partes con el saxo alto. Incluso el más animado "Mambo Ricci" tiene el mismo tipo de dinámica de grupo; Dolphy en llamas, Gene Casey tranquilo y deliberado al piano. Sólo en "Spring Is Here", donde Dolphy cambia a una flauta de tono contemplativo, encontramos un punto de encuentro equilibrado, aunque su solo de flauta en "Sunday Go Meetin'" vuelve a salirse del camino. No es, pues, una combinación ideal, pero sin duda es fascinante._Richard S. Ginell (allmusic)
The Latin Jazz Quintet tenía una historia extraña. El grupo de vida corta, que tuvo un gran cambio durante su vida, es hoy más conocido por dos sesiones (una para New Jazz y otra más oscura para United Artists) en la cual se unió Eric Dolphy. Esas dos fechas (particularmente la nueva salida de Jazz) encontraron que Dolphy ignoraba en gran medida el Latin Jazz Quintet y viceversa; ¡en ningún momento el solista aventurero y el conjunto más convencional reaccionan o incluso se reconocen mutuamente! El jugador de Conga Juan Amalbert fue el líder original del LJQ con la alineación en su primera grabación (la fecha Dolphy New Jazz), que también incluye al vibrafonista Charlie Simmons, el pianista Gene Casey, el bajista Bill Ellington y Manny Ramos a la batería y los timbales. La banda combinó expertamente bop con ritmos afrocubanos, a veces sonando como un típico grupo de Cal Tjader y, aunque no innovadores, siempre agradables. Para cuando hicieron su segunda grabación, un álbum de TruSound sin Dolphy a fines de 1960, Bobby Capers estaba invitando al alto y la flauta, y Ellington y Amalbert se unieron al vibrafonista Willie Coleman, el pianista José Ricci y Phil Newsom a la batería y los timbales. Un nuevo conjunto de Jazz en 1961 tenía a Artie Jenkins al piano, mientras que las fechas restantes del grupo (incluida la segunda sesión de Dolphy, que podría ser de 1963) encontraron que la banda estaba en un 100 por ciento de rotación. Jugadores como los vibrafonistas Bobby Blivens y Felipe Díaz, el pianista Willie Gardner, el bajista Bobby Rodriguez y los percusionistas Victor Allende, Tommy Lopez y Louis Ramirez aparecieron en una o más grabaciones. En el momento del segundo álbum de Dolphy, ¡incluso el líder Amalbert se había ido! Un CD Prestige, Hot Sauce, combina la segunda y tercera grabaciones de la banda._ Scott Yanow (allmusic) The Latin Jazz Quintet (1960) Temas: 01-You Are the Cutest One 02-Speak Low 03-I Got Rhythm 04-Night in Tunisia 05-Cha Cha King 06-I Wish I Were in Love Again 07-You Don't Know What Love Is 08-Lover 09-Mangolina 10-April Rain Musicos: Eric Dolphy -Flauta, bajo clarinete, alto Felipe Diaz-Vibes Arthur Jenkins-Piano Bobbie Rodriguez-Bajo Tommy Lopez-Conga Louis Ramirez-Timbales
Colette Michaan es una flautista neoyorquina de primera generación, nativa de Nueva York y de ascendencia egipcio-siria, que se ha visto influenciada, inspirada y musicalmente informada por las tradiciones musicales del norte y el oeste de África, Cuba, el sudeste asiático y América. "Siento que la flauta me eligió y me llamó. A los 12 años, escuché una grabación de Eric Dolphy en la radio y quedé hipnotizada por ese solo de flauta; se había plantado una semilla. A partir de entonces, me sumergí en la escucha, el estudio y la transcripción de los solos de jazz y música latina de flautistas como Eric Dolphy, James Moody, Frank Wess, Hubert Laws, Joe Farrell, Yusef Lateef, Arcaño, Richard Egües, José Fajardo y Johnny Pacheco, quienes, entre otros, siguieron inspirándome, al igual que diversas tradiciones flautísticas de todo el mundo." A finales de los 70, Colette trabajó en el Village Vanguard, una época vital para el jazz en Nueva York. "Mis tres años y medio en el Vanguard fueron una época maravillosa para mí; trabajar allí fue una gran educación musical, ya que noche tras noche escuchaba música que me inspiraba. Fue más tarde, a mediados de los 80, cuando me enamoré de las tradiciones cubanas del Son y la Charanga".
Desde finales de los años 70, Colette actúa internacionalmente con su propia banda y con otros artistas. Ha producido cuatro álbumes como directora de banda (véase discografía). Además, Colette ha grabado con Harry Whitaker en el álbum "One Who Sees All Things" (2008), con Kaissa en "Looking There" (2005) y con Richard Bona en "Scenes From My Life" (1999). "A lo largo de los años, en cada uno de los cuatro CD que he producido, he optado por grabar composiciones originales, así como muchas composiciones clásicas que me encantan. Mi intención es crear belleza, llenar la música de emoción y pasión. Mi trabajo siempre se inspira en algo tradicional, algo original y algo nuevo. La finalización de cada álbum ha sido un hito en mi proceso continuo".
"A lo largo de las décadas, he aprendido de muchos músicos maravillosos y les estoy agradecido"._(colettemichaan)
La intrépida música ha esculpido estas diez piezas en esta grabación con un arte magistral. La sutileza es la cualidad omnipresente que Colette Michaan aporta a este disco de obras de varios compositores conocidos. La música no suele alzar la voz mucho más allá de un susurro seductor, e incluso cuando lo hace, las narraciones están hábilmente elaboradas para mantener un decoro muy expresivo. La radiante flauta de la Sra. Michaan enriquece estas melodías y altera las armonías y los elementos estructurales de cada pieza ya aumentada con la adición de (a menudo los dos) trombones de Reut Regev y Rey David Alejandre. Como resultado, el flautista es capaz de llevar las piezas en direcciones que sorprenden y cautivan enormemente el oído. La hermosa pieza de Melvis Santa "La Flauta de Colette" es un excelente ejemplo de ello.
Las diez piezas se despliegan en una serie de gestos etéreos impregnados de una atmósfera inconfundible, rindiendo un glorioso homenaje a las formas de danza y los ritmos que impulsan la música afrocubana. Pero cada melodía es tratada también con una panoplia de colores e implicaciones armónicas. Siempre en el extremo suave del espectro, el rango dinámico de Michaan permite que la música se eleve, sin trabas, a un reino enrarecido. Su paleta sonora se amplía a menudo hasta extremos imposibles. Su solo en "Awakening" es un recordatorio espectacular de la gloria que Michaan aporta a su instrumento. Pero también en todos los demás temas, la flautista crea una magia melódica única. Sin embargo, no está sola en este empeño.
Michaan también sube la apuesta de la producción con la evocadora voz de Melvis Santa, cuya soprano flotante adorna "La Flauta de Colette", "Por si Acaso" y "Quimbara". El pianista César Orozco, el bajista Jorge Bringas y tres grandes percusionistas ayudan a la flautista a hacer de éste su álbum más vivo hasta la fecha: Román Díaz, Luisito Quintero y Yusnier Sánchez Bustamante. A través de todo ello, por supuesto, es Colette Michaan quien está, justificadamente, en el centro de atención, ya que interpreta con consumada maestría, combinando un control superior y lucidez tonal con un sentido cohesivo de la línea y el movimiento. Esta música no podría estar mejor servida._ Raul Da Gama (latinjazznet)
Mark Weinstein ha establecido en silencio a sí mismo como uno de los flautistas más locamente inventiva en la historia moderna. También es uno de los mejores jugadores del virtuoso en todo el espectro de la música del siglo 20 y 21. Sus únicos rivales también pueden ser finales Eric Dolphy , los canadienses, Jane Bunnett y Bill McBirnie , y, por supuesto, el gran James Galway. Weinstein es radicalmente diferente de Dolphy, que imparte una calidad de voz similar a la flauta, inspirando a los poderosos John Coltrane en el negocio y expandir radicalmente el vocabulario de ese instrumento. Weinstein, por el contrario prefiere mantenerse dentro de los límites de la lengua casi clásica del instrumento, pero al igual que los otros mencionados, hace saltos altos y redadas de la estratosfera y en las profundidades oceánicas de la música, con lo que una elasticidad renovada para el Alto y flautas bajas, así como la flauta de concierto (aunque su disco asombroso, Historias de la Tierra (Ota Records, 2009), con el pianista Omar Sosa , podrían sugerir que ahora reside cerca de Dolphy en las improvisaciones muy creativos). Weinstein también ha sido constante en su producción en los últimos años, con cuatro álbumes en otros tantos años, pero más que la cantidad, la consistencia de su formulario ha sido bastante impresionante. Jazz Brasil, sin embargo, sin duda debe clasificar como uno de sus mejores álbumes de fecha. Es radicalmente diferente de su álbum con Omar Sosa; más como el anterior álbum Jazzheads, Lua e Sol (2008), que también rindió homenaje al medio brasileño. Jazz Brasil no está conectado como temáticamente como el anterior álbum de Brasil, con un mayor sentido de urgencia y buscando unir dos grandes tradiciones, al mezclar el jazz swing de poder disfrutar de la confusión de la samba. Su lectura clásica de Ary Barroso, "Brazil" es un ejemplo de ello. En lugar de jugar esta carta como una ola tras otra de ritmo atronador (como Maria Bethânia hizo una vez, por ejemplo), Weinstein gotas de la canción en una ranura Bossa Nova de trance, con el bajista principal Nilson Matta resoplando con una reproducción aleatoria constante y el swing. Del mismo modo, sus interpretaciones de Antonio Carlos Jobim 's "Triste" y "If You Ever Came to Me" son magníficamente volver a imaginar lineales de los estándares brasileños, hechos a mano, sin duda, con Matta en el remolque. El bajista tenía una mano principal en este álbum. Su forma de tocar alegre también eleva el nivel de excitación de manera exponencial. Matta es flotabilidad positiva en sus propias composiciones, que emplean a grandes saltos, que abarca múltiples octavas en el bajo con virtuosismo técnico desenfrenada. Sus paradas dobles en "Brazil" son impresionantes. El pianista Kenny Barron sin duda debe ser una elección inspirada para este viaje musical. El ingenio de esta decisión se confirma en dos del conjunto de Thelonious Monk tablas, "I Mean You" y "Ruby My Dear". Mientras Weinstein salta y piruetas su camino a través de las canciones, Barron juega hoja perfecta, recreando las listas en la manera singular. El batería Marcello Pelliteri no sólo completa el cuarteto, pero deja una marca indeleble en este álbum inolvidable._ Raul d'Gama Rose (allaboutjazz)
Tema: 01. I Mean You 02. Triste 03. Nefertiti 04. Brazil 05. Ruby My Dear 06. Sambosco 07. Dawn's Early Light 08. Memphis Underground 09. If You Never Come To Me 10. Isotope
Chico Hamilton, un baterista sutil y creativo, probablemente siempre será recordado por la serie de quintetos que dirigió durante 1955-1965 y por su habilidad como cazador de talentos más que por su excelente forma de tocar la batería. Hamilton tocó por primera vez la batería cuando estaba en el instituto con los muchos jóvenes y excelentes músicos (entre ellos Dexter Gordon, Illinois Jacquet y Charles Mingus) que había en Los Ángeles en aquella época. Debutó en las grabaciones con Slim Gaillard, fue baterista de la casa en Billy Berg's, estuvo de gira con Lionel Hampton y sirvió en el ejército (1942-1946). En 1946, Hamilton trabajó brevemente con Jimmy Mundy, Count Basie y Lester Young (grabando con Young). Realizó una gira como batería de Lena Horne (de forma intermitente durante 1948-1955), y obtuvo reconocimiento por su trabajo con el cuarteto original sin piano de Gerry Mulligan (1952-1953). En 1955, Hamilton formó su primer quinteto, un grupo de jazz de cámara con las cañas de Buddy Collette, el guitarrista Jim Hall, el bajista Carson Smith y el chelista Fred Katz. El Chico Hamilton Quintet, uno de los últimos grupos de jazz importantes de la Costa Oeste, fue inmediatamente popular y apareció en una secuencia memorable en Jazz on a Summer's Day, de 1958, y en la película de Hollywood The Sweet Smell of Success. El personal cambió a lo largo de los años siguientes (se escuchó a Paul Horn y Eric Dolphy en las cañas, al violonchelista Nate Gershman, a los guitarristas John Pisano y Dennis Budimir, y a varios bajistas que pasaron por el grupo), pero conservó su inusual sonido. En 1961, Charles Lloyd estaba en el tenor y la flauta, Gabor Szabo era el nuevo guitarrista, y pronto se abandonó el violonchelo en favor del trombón (Garnett Brown y más tarde George Bohanon), lo que dio al grupo un estilo hard bop avanzado. En 1966, Chico Hamilton empezó a componer para anuncios y estudios y disolvió su quinteto. Sin embargo, siguió dirigiendo varios grupos, tocando música que iba desde la vanguardia hasta la fusión errática y el hard bop avanzado. Músicos tan prometedores como Larry Coryell (1966), Steve Potts (1967), Arthur Blythe, Steve Turre (al bajo, sorprendentemente) y Eric Person (que tocó en el grupo de Hamilton de los años 90, Euphoria) fueron algunos de los jóvenes a los que ayudó a descubrir. En 1989, Chico Hamilton grabó una reunión con los miembros originales de su quinteto de 1955 (con Pisano en lugar de Hall), y en los años 90 grabó varios discos para Soul Note. Siguió dando conciertos y grabando a lo largo de la década de 2000, y en 2006 publicó cuatro álbumes para el sello Joyous Shout! en celebración de su 85º cumpleaños. Chico Hamilton murió en Manhattan el 25 de noviembre de 2013; tenía 92 años. Su último álbum, The Inquiring Mind, grabado poco antes de su fallecimiento, se publicó a principios de 2014._Scott Yanow (allmusic)
En 1965, el contralto japonés Sadao Watanabe era el músico de lengüeta habitual de Chico Hamilton, y es por su forma de tocar (bastante temprano en su carrera) por lo que este LP es más notable. También se escucha al guitarrista Gabor Szabo (que termina un largo periodo con Hamilton), al bajista Al Stinson, al trombonista invitado Jimmy Cheatham (en tres de las ocho canciones) y a la percusión latina de Willie Bobo y Victor Pantoja. La banda toca un par de temas de películas (incluyendo "People"), tres originales de Hamilton, una improvisación en grupo y dos oscuridades. Las influencias del jazz latino, la bossa nova y la vanguardia se mezclan en esta inusual mezcla musical._Scott Yanow(allmusic)
En muchos casos, el término jazz latino se usa para describir un matrimonio de ritmos bop y afrocubanos. Los pesos pesados como Cal Tjader, Dizzy Gillespie, Tito Puente y Machito dominaron los cambios de bop, y fueron expertos en cuanto a son, cha-cha, mambo y otros ritmos que salieron de Cuba. Pero aquí está la cosa: el jazz latino no tiene que significar bop más de lo que tiene que significar afrocubano. En Noble Savage, el saxman / percusionista Hilary Noble ofrece jazz acústico que tiene un pie en post-bop (a diferencia del hard bop o bebop) y el otro en ritmos latinos. A Noble le gusta llamar a su enfoque "Latin free jazz", pero una mejor descripción de este CD sería "Latin post-bop". A decir verdad, el saxo de Noble está más cerca de Wayne Shorter, Joe Henderson, Eric Dolphy y temprano. -60 John Coltrane que Albert Ayler, Charles Gayle o Coltrane post-1965. Hay algunos artistas que han unido los ritmos latinos con el jazz libre: el innovador Ivo Perelman, por ejemplo, es un intrépido explorador cuyas influencias van desde los ritmos brasileños hasta Albert Ayler. Pero Noble Savage no es free jazz, y no está muy afuera. Sin embargo, es una demostración agradablemente melódica de las habilidades de Noble como solista y compositor. Noble, que escribió o coescribió la mayor parte del material, tiende a favorecer los ritmos afrocubanos, y sin embargo, no todo el jazz latino que ofrece en este CD es jazz afrocubano. "Dream Dance" (que fue escrito por el productor asociado del álbum Andy McWain) está influenciado por el joropo venezolano, mientras que "Sandunga Mofongo" incorpora elementos afrocubanos y merengue dominicano. ¿Jazz libre latino? Realmente no. ¿Un álbum sólido y agradable de post-bop latino? Definitivamente. ~ Alex Henderson (allmusic)
Hilary Noble - Noble Savage (2002) Temas: 01. The Fire Next Time 02.Rumb'azu 03.Relapse 04.Jelly Roll 05.Guiro Moderno 06.Seven Effects Of Highly Habitual People 07.Ile-Olorun 08.(N)eurotrash 09.Dream Dance 10.Sanduga Mofongo 11.Terra Australis
Musicos: Hilary Noble (spoken vocals, soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone, congas, bongos, finger cymbals, percussion) Charles Neville (saxophone, alto saxophone) Andy McWain (electric piano) Boris Kozlov (acoustic bass, double bass) Bobby Sanabria (whistling, whistle, drums, claves, cowbells, cuica, cymbals, guiro, shekere, percussion) John Di Martino (piano)
Joe Chambers (nacido el 25 de junio de 1942 en Chester, Pensilvania) es un baterista, pianista, vibrafonista y compositor de jazz estadounidense . Asistió al Conservatorio de Filadelfia durante un año. En las décadas de 1960 y 1970, Chambers tocó con muchos artistas de alto perfil como Eric Dolphy , Charles Mingus , Wayne Shorter y Chick Corea . Durante este período, sus composiciones aparecieron en algunos de los álbumes en los que hizo apariciones especiales, como las de Freddie Hubbard y Bobby Hutcherson.. Ha publicado ocho álbumes como director de orquesta y ha sido miembro de varias encarnaciones de Max Roach 's M'Boom percusión conjunto. También ha enseñado, incluso en la New School for Jazz and Contemporary Music en la ciudad de Nueva York, donde dirige la Outlaw Band. En 2008, fue contratado para ser Profesor Distinguido de Jazz Thomas S. Kenan en el Departamento de Música de la Universidad de Carolina del Norte en Wilmington._ (wikipedia)
El percusionista Joe Chambers, de 78 años, había regresado a Nueva York para grabar la fecha de un líder de Blue Note, pero luego la pandemia golpeó la ciudad. El maestro y compositor de mazos Joe Chambers encontró su lugar en 1963, cuando se mudó a Nueva York y se ganó la reputación de ser el baterista de primera llamada del grupo de estrellas de Blue Note, entre ellos Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Bobby Hutcherson". Realmente no aprendí a jugar hasta que llegué a Nueva York", dijo Chambers, de 78 años, sobre Zoom durante diciembre desde su casa en Wilmington, Carolina del Norte". Aprendí de qué se trataba el swing, de qué se trataba el drive". Fue irónico que, en marzo, justo cuando había regresado a la Gran Manzana para grabar su primer álbum Blue Note en 22 años, la pandemia golpeó la ciudad y tuvo que regresar a los confines aparentemente más seguros de su hogar en Wilmington“. Nueva York se puso ridícula con el virus”, explicó. "Dije: 'Más tarde para eso'". Pero no todo estaba perdido. Decidido a entregar su álbum, reemplazó al pianista de Nueva York Rick Germanson y al bajista Ira Coleman, quienes aparecieron en su álbum anterior, Landscapes (Savant) de 2016, con Brad Merritt y Steve Haines, con sede en Carolina del Norte, respectivamente. En abril, dijo Haines, él y Merritt recibieron notas sobre la música de Chambers. En junio, completamente enmascarados y socialmente distanciados, grabaron pistas en un estudio de Carolina del Norte. El álbum, Samba De Maracatu, se lanzará el 26 de febrero". Debido al virus, todo se combinó", se lamentó Haines, incluso cuando elogió la capacidad de Chambers para aprovechar su experiencia y lograr un resultado satisfactorio. "Lo que pasa con Joe es que tiene un conocimiento enorme y profundo de la música". Ese conocimiento se refleja en toda la colección de nueve pistas, ya que Chambers, su vibráfono y percusión, superpuestos sobre piano, bajo y batería previamente grabados, recuerda colaboraciones clave. El disco vuelve a visitar "Visions", del álbum Spiral de Hutcherson. En la nueva grabación, Chambers, detrás de las vibraciones, revela un tono rico y una sensibilidad modernista que resuena sin imitar a su antiguo jefe. “Bobby siempre tuvo su propio sonido en el instrumento, más que Milt [Jackson] o Lionel Hampton, de la vieja escuela”, dijo. Chambers tomó el vibráfono en 1970, cuando Max Roach le pidió que se uniera a su nuevo conjunto de percusión M'Boom. Bajo la guía de Roach, Chambers y los otros miembros del grupo se reunieron en el estudio de Warren Smith en West 21st Street en Manhattan durante un año de sábados para dominar una variedad de instrumentos
de percusión. Chambers, cuyo primer instrumento fue el piano, tomó las vibraciones de inmediato. "Fue sólo una cuestión de conseguir el palo", dijo. En Samba De Maracatu, ese trabajo todavía está dando frutos en una contribución de Chambers al libro de M'Boom, "Circles". La melodía apareció en el álbum Collage de 1984 de M'Boom, y el nuevo tratamiento de Chambers es paralelo al formato de la versión anterior, empleando un ritmo bahiano con métricas mixtas, armonía modal y una improvisación sonora en la que el vibráfono y el piano sobregrabados tocan "juntos". Si el nuevo álbum tiene un valor atípico, es "New York State Of Mind Rain". La melodía trae a la luz un fragmento de "Mind Rain" de Chambers que el rapero Nas muestreó para su éxito de 1994, "NY State Of Mind". La melodía se escuchó por primera vez como un dúo de teclado alucinante con el organista Larry Young en Double Exposure de 1977. El spin-off del nuevo álbum, una respuesta tardía a Nas, incorpora un rap que fue inteligentemente escrito por su hijo, Fenton Chambers, y hábilmente ejecutado por MC Parrain. Un contrapeso estilístico de esa canción es la versión de ensueño de la cantante Stephanie Jordan de "Never Let Me Go". Flotando sobre el sutil bolero de Chambers, la voz de Jordan proyecta el tipo de atractivo cautivador que podría conseguirle un lugar en un futuro proyecto de grabación a gran escala de Chambers, pendiente, dijo, de aliviar las preocupaciones de salud pública._ (Phillip Lutz / 18 De Febrero Dd 2021)Joe Chambers - Landscapes (2016)
Temas: 01. Epistrophy (T. Monk) (Embassy Music / Music Sales Corp) BMI/ASCAP 02. The Outlaw (H Silver) (Ecaroh Music lnc.) ASGPP 03. Never Let Me Go (J. Livingston / R. Evans) (SONY / AlV Harmony) ASCPP 04. Havana (J.Chambers) (HoCham Music) BMI 05. Samba De Maracatu (J. Chambers) (HoCham Music) BMI 06. Pas De Trois (P.Alslanian) (Aislan Music) BMI 07. Airegin (S. Rollins) (Prestige Music Co.) BMI 08. Ecaroh (H. Silver) (Ecaroh Music lnc.) ASCAP 09. Underground (Railroad) System (K. Ratzer) (Volcano Music) ASCPP 10. Landscapes (J.Chambers) (HoCham Music) BMI
Musicos: Joe Chambers (Batería, congas, bongos, vibráfono, marimba, programas de sintetizador y solo de piano) Rick Germanson (Piano / excepto pista 10)
Maestro percusionista e ingeniero de grabación; hijo de Annie Swinton Johnson y Juan Amalbert, su madre formaba parte de la familia de Mt. Pleasant (SC), al este del río Cooper, de las familias Swintons y Ascues; su padre era puertorriqueño; nacido Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim empezó a grabar más tarde con el nombre de su padre, Juan Amalbert, en homenaje a éste; creció y vivió en Nueva York y Copenhague, y recientemente ha vuelto a conectar con su hogar "ancestral" (Charleston).
Tocó con la Orquesta de Duke Ellington y grabó "Jaywalker" con el grupo destacando su exquisita interpretación rítmica africana en los tambores de conga; También tocó con Sarah Vaughan (su modelo), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey y los Jazz Messengers, la Thad Jones Orchestra, y las bandas de James Moody y John Coltrane; fue percusionista de Katherine Dunham; produjo o diseñó grabaciones para James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy y Jimmy Cliff; dejó los EE. UU en 1956 y realizó giras por Europa, África y Asia; su quinteto de jazz latino, con sede en Copenhague, se mueve con ritmos de yambú y clave yoruba._ (charlestonjazz)
John Leslie «Wes» Montgomery (Indianápolis, 6 de marzo de 1923 - 15 de junio de 1968) fue un guitarrista estadounidense de jazz, dentro del estilo hard bop. Es hermano del pianista y vibrafonista Buddy Montgomery y del bajista Monk Montgomery. Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a Charlie Christian, y unos meses después comienza a tocar en el Club 440 de su ciudad natal, así como con orquestas locales. Durante varios años, toca con la banda de sus hermanos Buddy y Monk, llamada The Montgomery Brothers, hasta que es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró seis años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes, sobre todo en el Turf Bar. Entre 1957 y 1959 realizó algunas actuaciones con sus hermanos, que habían formado un cuarteto denominado The Mastersounds, y se habían ubicado en la escena de la Costa Oeste aunque su primer disco lo firmarían, por problemas contractuales, con el viejo nombre de The Montgomery Brothers. Sería la intermediación de sus hermanos la que llevaría a Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, a organizar una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, entre los que se encontraba Freddie Hubbard, y que sería el primer disco de Wes como líder, y de Hubbard como músico: Fingerpicking (1957), con arreglos de Gerald Wilson y participación de sus hermanos y otros músicos. Al año siguiente, graba su primer disco en formato trío en el que estaban el organista Melvin Rhyne y el batería Paul Parker. La realización de su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, le llevó a la fama dentro del mundo del jazz (Down Beat's New Star, Metronome Guitar Award), con su estilo funky, muy influenciado por la técnica fingerpicking de los bluesmen de Piedmont. Tocó luego con el John Coltrane Sextet en el Monterey Jazz Festival, (Monterey, California) el 22 de septiembre de 1961. la formación incluyó a John Coltrane (ss, ts), Eric Dolphy (as, bcl), McCoy Tyner (p), Wes Montgomery (g), Reggie Workman (b) y Elvin Jones (d), con temas como «My Favorite Things», «Naima», «So What» e «Impressions». Los discos realizados para Riverside, entre 1959 y 1963 (The Complete Riverside Recordings, 12 CD), son sus trabajos más espontáneos, formando parte de grupos pequeños y acompañado de músicos como Tommy Flanagan, James Clay, Victor Feldman, Hank Jones, Johnny Griffin, y Mel Rhyne. Al desaparecer Riverside, Montgomery fichó por Verve, 1964-1966, para quien grabó varios discos orquestales con el arreglista Don Sebesky y el productor Creed Taylor, en los que realiza distintas aproximaciones al pop y soul. Trabajó también con el Wynton Kelly Trio y el organista Jimmy Smith. En 1967 Montgomery firmó con Creed Taylor para A&M y en dos años grabó tres discos muy exitosos, muy influidos por el pop. Críticos como Joachim E. Berendt entienden que Taylor ejerció una influencia excesiva en el sonido del guitarrista, impidiendo que desarrollara sus mejores posibilidades. Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson._(wikipedia)
Wes Montgomery - The Best Of Wes Montgomery (1967) Temas: 01. Tequila 02. Movin' Wes (Part 1) 03. End Of A Love Affair 04. Naptown Blues 05. Con Alma 06. Goin' Out Of My Head 07. How Insensitive (Insensatez) 08. The Shadow Of Your Smile 09. Caravan 10. Bumpin' On Sunset Arranged By - Claus Ogerman (tracks: 1, 7, 10), Don Sebesky (tracks: 5, 8), Johnny Pate (tracks: 1, 9), Oliver Nelson (tracks: 3, 4, 6)
El trabajo de un trovador nunca termina. Atraviesa el mundo cubriendo la geografía de los puntos más animados de la tierra, así como la topografía emocional que se internaliza como resultado de sus aventuras artísticas. Lo que llega a ser amado en su oído interno y su propia alma también se convierte en su razón de ser; y esto es exactamente lo que representa el álbum monumental de Yosvany Terry Today's Opinion y ofrece. El Sr. Terry es un saxofonista virtuoso que toca saxofones soprano y saxofón alto y también es un maestro en el chekere, que usa con moderación pero con un efecto devastadoramente bello. En este álbum también se muestra a sí mismo como un compositor de música que es rico en melodías complejas y ritmos, así como de considerable intelecto. Y esto es lo que hace que emprender esta odisea musical con él y su conjunto sea una alegría pura e impresionante. Escuchar la música de Mr. Terry en este álbum se convierte en una lección de música de la vida real que comienza en las partes más vibrantes de África, desde allí a través de barcos de esclavos, hasta Sudamérica, particularmente las áreas afrocaribeñas de esa parte del continente Pero no antes de que el caravasar musical se abriera paso por la Europa de los románticos y Francia, la Meca de los Modernos. El Sr. Terry es una verdadera revelación entre los jóvenes saxofonistas como Oscar Feldman, Miguel Zenón y un puñado de otros que han traspasado los límites, específicamente, del instrumento alto. Pero el Sr. Terry tiene una voz singular, que se desliza como un Paul Desmond de hoy en día, con el agudo y rítmico filo de Eric Dolphy. Jugando con una expresión y entonación extraordinarias, el Sr. Terry salta y bóvedas como si estuviera encaramado en un voladizo, balanceándose de aquí para allá. Su tono es cálido y húmedo, pero tiene un borde bronceado y oscila como si estuviera haciendo hojas de sonido de ese material de cobre del que se forjó su instrumento. Su fraseo es sobrio y con elevaciones espuelas, el Sr. Terry parece cortar el aire haciendo arcos y parábolas cada vez más amplios. A veces su tono es tan pesado que casi suena insoportablemente pensativo. Esto es más perceptible cuando rinde homenaje a los maestros como Sindo Garay, Louis Armstrong y una serie de otros griots; los grandes narradores del pasado. Esto es cuando está instalado en la música que se produce a partir de los acontecimientos del pasado que han ayudado a dar forma a su visión de futuro. La opinión de hoy es esencialmente dirigida en esa dirección.
El majestuoso apuntalamiento de "Contrapuntistico"; el espíritu glacial de "Another Vision of Oji" y el maravilloso jolgorio de "Son Contemporaneo" son ejemplos magistrales de la visión musical del Sr. Terry que se extendió en los polirritmos palpitantes de África a la polifonía creciente de los impresionistas clásicos y modernos europeos. música. Estas tablas deben estar fácilmente entre los estudios musicales más inteligentes seleccionados de la mente y el alma de un músico, que sueña con una canción profunda, pero también puede fibrilar con la alegre expresión que lo impulsa a él y a su saxofón, ya sea el alto o el espiral soprano que usa tanto la tierra como el espacio interestelar como piedras de toque. Por supuesto, estas no son las únicas canciones que excitan los sentidos. La consideración de "Inner Speech"; los ojos abiertos y nostálgicos de "Returning Home" y la pura alegría edificante de "Harlem Matinee" son delicias para el oído interno. El hermano y bajista de Sr. Terry, Yunior Terry también ha contribuido con una balada extática, "Suzanne" junto con Márcio B.A., que muestra una influencia que afecta al gran Hermeto Pascoal.
La alegría y la maravillosa belleza de la música también tienen mucho que ver con la brillantez del conjunto que el Sr. Terry ha traído a bordo para expresar su música. El trompetista Michael Rodríguez toca el claxon con una gran deferencia a los maestros del pasado, así como para transmitir su propia voz espectacular; el pianista Osmany Parades se da cuenta de que es una de las nuevas voces audazmente expresivas en el gran instrumento. Yunior Terry es magistral y juega con poderosa empatía filial; Obed Calvaire proporciona más evidencia de que es uno de los mejores bateristas que tocan en la actualidad; Pedro Martínez juega y canta con profundo celo espiritual y la presencia de Gonzalo Rubalcaba proporciona un empuje contundente para la música sensacional de "Son Contemporaneo". Por supuesto, aunque astutamente audible, la actuación de Yosvany Terry en el chékere es dramática y hermosa, proporcionando más evidencia de que Terry no solo es un músico importante sino también en su camino a convertirse en un exponente legendario de ese fantástico instrumento. La opinión de hoy es un álbum importante según cualquier estándar, clásico o moderno._Raul da Gama (latinjazznet)
La música con clave que comenzó con "Tanga" de Machito y "Cubana-Be Cubana-Bop" de George Russell ha recorrido un largo camino. Con la clave en el alma, el trombonista Wayne Wallace demuestra, una vez más, en Bien Bien! que la alegría de la música es realmente contagiosa. Wallace es raro entre los músicos que saben swing tan bien como clave. Con la adición de ritmos aleatorios y backbeats burbujeando bajo la piel, crea una música gloriosa incluso con solo unas pocas notas en su 'hueso'.
En ¡Bien Bien! Wallace ha hecho que sucedan varias cosas extraordinarias: emplea a dos trombonistas además de él: Julian Priester y Dave Martell; no hay saxofones ni trompetas y no se los echa de menos; y los vocalistas Kenny Washington y Orlando Torriente comparten honores en inglés y español en una canción. Además, entre los bateristas Paul van Wageningen y Michael Spiro, parece haber una orquesta de percusión completa, ya que el pianista Murray Lowe explora brillantemente los ritmos ocultos en las melodías y el bajista David Bedlove golpea las cuerdas.
¡Bien Bien! es un paquete alegre, al menos hasta la octava pista, porque en todo momento, Wallace emplea su característico tono arrogante en un instrumento que puede sonar tanto lánguido como sexy. El trombón es también el instrumento más humano de la familia de los metales, y Wallace, Priester y Martell se divierten tocando esta característica al máximo.
Luego, están las canciones. En "Freedom Jazz Dance" Torriente y Washington, imita el baile con un magnífico rap y Corazón. Priester ronronea suavemente, como un jaguar, y gruñe con un fuerte oleaje tanto en "Building Bridges" como en "Going Up". Martell es comparativamente vivaz: una gacela saltarina para el gato de Priester. Wallace es característicamente conmovedor y completo en todo momento, especialmente en "In A Sentimental Mood", mientras que "Mojito Café" es característico del ritmo sublime de todo el disco.
"Africa" de John Coltrane hace que este disco valga la pena. El arreglo de lamentos de Wallace también presenta una acumulación lenta de percusión a un bajo atronador, con el bajo pateando poderosamente, seguido de brillantes salpicaduras de platillos. La canción, como la concibió Coltrane, es un viaje musical de la esclavitud a la libertad. La inspirada interpretación de Wallace añade a la literatura del trombón, la nostalgia de su instrumento —como rompe el doloroso episodio de la esclavitud con el eventual triunfo de la libertad— conmovedor e inolvidable. El ritmo crujiente general de la canción imita los muchos remos y cadenas que una vez ayudaron a navegar esos barcos antiguos a América. Lo mejor de todo es que el marcado contraste de esta versión con el original que crearon John Coltrane y Eric Dolphy, que no son otros instrumentos de viento que los trombones, es notable y fresco. Sólo por los méritos de "África", Bien Bien! representa un punto culminante en la carrera de Wallace. ~ Raul Da Gama (latinjazznet)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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