martes, 17 de octubre de 2017

Alejandro Falcón-Cuba Now Danzón


Ya que se dice que un siglo no es más que un instante en la vida de un país, podemos considerar que el danzón, que ha tenido el honor de ser nombrado "Baile Nacional de Cuba", vio la luz el otro día, en el último cuarto del Siglo XIX. Ya el cornetinista y compositor Miguel Faílde, entre otros creadores e innovadores matanceros, había compuesto danzones como El delirio, La ingratitud y Alturas de Simpson cuando el 1°de enero de 1879, se estrenó ante elpúblico este último, en el Liceo de Matanzas, la bella ciudad llamada "La Atenas de Cuba",lo que fue todo un suceso, que más allá de moda musical alcanzó a ser una verdadera fiesta para la cultura cubana.

Gracias al talento y constancia de nuestros músicos, a pesar de que su época de furor pasó hace muchos años, el danzón nunca dejó de tocarse, adaptándose a su tiempo en variantes de gran aceptación popular, como el danzón cantado, danzonete, danzón de nuevo ritmo, y otras modalidades que han cedido su paso a las exigencias de la moda, pero como expresión de talento y belleza legítima ha estado presente en la obra de grandes compositores e instrumentistas que han creado obras de verdadero virtuosismo, como Valle de Picadura de Chucho Valdés, Párraga de Orlando "Maraca" Valle, Danzón Habana de Sinfonía a Hemingway de Lucía Huergo, Danzón Legrand de Andrés Alén y Mi Danzón de Roberto Carlos "Cucurucho" Rodríguez Valdés, por sólo mencionar unos pocos, pero es innegable que se ha convertido el danzón en una nota de buen gusto en el repertorio o la obra de nuestros más relevantes músicos.

Por eso cuando Alejandro Falcón nos proporcionó el placer de escuchar "Cuba Now Danzón" no nos sorprendió, pues nos pareció natural que un pianista de su estatura , utilice un género tan hermoso para reafirmar su ya reconocido talento, con el apoyo de la orquesta de un músico de tanto prestigio como el Maestro Joaquín Betancourt, con un invitado de altos quilates como el afamado trompetista y compositor Alexander Abreu. Su personalísima versión en un concepto actual, de un clásico como El bombín de Barreta compuesto en 1910 por Don José Urfé, ya nos muestra el fértil mundo interior de este brillante pianista de excelente formación,graduado de piano en la Escuela Nacional de Arte en 2002 y de Composición en elInstitu­ to Superior de Arte en el 2008.

Los danzones compuestos por él,partiendo con visión original de las raíces del género, tienen la virtud de mezclar la agilidad de una digitación que cautiva por su limpieza y ocurrencia y por transcurrir en un mundo armónico que revela la maestría y sensibilidad con que conduce el tema, como ocurre en Now danzón donde la herencia jazzíslica de todos los músicos destacados de su generación aflora como un homenaje a figuras que fueron leyenda , como el legendario cornetinista Manuel Pérez, que compartió en New Orleans los albores del jazz y estoy seguro que daría un abrazo de agradecimiento a Alejandro por La trompeta mágica que toca el reconocido Julito Padrón haciéndole gala al título.

Mayito Rivera hace rato que equivale a un signo de distinción para cualquier obra donde participe; músico de formación y cantante de alta categoría, le da a la versión de Alex de Esas sí son cubanas el punto exacto para disfrutar de esa combinación que sólo da el saber hacer con propiedad, un acierto a destacar en su labor de arreglis ta y la selección de intérprete.

En Cancíón para Romeu Alejandro Falcón logra un ambiente de ternura y reverencia al gran Antonio María, que se me antoja extensivo a la ilustre familia, bendición para la Música Cubana. En la línea melódica, concepto armónico y desarrollo de la obra, Don Antonio, el indispensable "Mago de las Teclas", tiene que disfrutar enormemente, toda una joya con el adorno inmenso de la soberbia ejecución de la Orquesta Sinfónica del ISA adjunta al Lyceum Mozarteum y el prestigio danzonero de Enrique Lazaga , para quien de sobra la merece.

El 8 de junio de 1929, el cantante *Arturo Aguiló estrenaba en Matanzas con la orquesta de vientos de Aniceto Diaz Rompiendo la rutina pero a pesar de ser grabada por Dominica Verges y otros excelentes cantantes,Paulina Álvarez hizo suya esta pieza, al punto que pasó a la historia como "La emperatriz del danzonete", aunque no la grabó hasta 1957; ahora Alejandro recurre a la cálida voz de Luna Manzanares y al virtuosismo de Ernesto Vega, que adorna la legendaria pieza con su acertado solo de clarinete, para llegar a Mojito Criollo donde no sería justo decir que "se aprende" la pieza, sino que entra en ella para imponer su estilo con soltura, recreando uno de los grandes éxitos del gigante Frank Emilio Flynn con elapoyo de Garlitos Ríos uno de nuestros bajistas jóvenes más destacados.

Y como si el piano supiera de quién se trata el cantante, se viste de gala en sensibilidad y sonido para dejar que Alejandro escolte a nuestro gran Pablo Milanés en un súper clásico que grabó en 1914 Juan de la Cruz Hermida, del incansable Elíseo Grenet , uno de nuestros más distinguidos compositores, para evidenciar otro acierto en la composición del disco: La Mora ,fue el primer danzón cantado que se grabó en un fonograma, aunque ya existía la costumbre del canto entre los mismos bailadores que disfrutaban la pieza.

Siguiendo la misma línea de producción, del propio Alejandro con el Maestro Joaquín Betancourt, donde en cada número va destacando un instrumento, Para danzonear exhibe el concepto Falcón en todo su esplendor y William Roblejo logra un solo de violín lleno de talento y dominio del instrumento.

En Monserrate se resume la intención del disco, de homenaje a las raíces desde un mundo de fantasía, ése al que sólo acceden los creadores que sienten la música correr por sus venas para partir del danzón, que cumple con una de sus tradiciones de incluir piezas clásicas como La Marcha Turca de Mozart en su recorrido como por un afluente de la gran música cubana, para unirse a otra corriente donde el son y la "descarga" jazzística a nuestra manera de decir, se mezclan con solos de vitalidad y buen gusto, al punto que uno - como oyente - lamenta profundamente que se acabe .

Y como detalle final D. J. Dance song que viene a ser como un mensaje que revela la intención del disco: "De Cuba para el mundo" partiendo de un género de gran importancia y belleza,con solos que demuestran virtuosismo y elegancia, utilizando sonoridades actuales que realzan la intención, gracias a la calidad que logran.
 Este disco, aún temprano en la prometedora carrera de Alejandro Falcón, es una prueba más
de que las joyas no mueren con el tiempo. Podrán pertenecer a un estilo, diseño o época, pero siempre son joyas y su valor no sólo se mantiene sino que se multiplica , elmajestuoso danzón es una prueba de ello. Alejandro no sólo logra con éxito la siempre delicada y peligrosa tarea de revitalizar piezas que ya son inmortales, en un disco importante por mérito propio, sino que aporta nuevas obras que siguen enalteciendo el género,desde su punto de vista creador y época a la que pertenece._Tony Pinelli
*Referencias:Pepe Reyes


Premios Y Nominaciones:
Premio Jojazz en Interpretación (2002) y Composición (2005)
Premio Cubadisco 2013 en Opera Prima, por el álbum Claroscuro (sello Colibrí).
Premio Cubadisco 2015 en Música Instrumental y Grabación por el CD-DVD Cuba Now Danzón, (sello Colibrí).
Primer Premio Concurso Internacional Musicalia convocado por el Instituto Superior de Arte (ISA), en la Categoría de Composición Contemporánea, 2005 y 2006.
En el Cubadisco 2015, su CD-DVD Cuba Now Danzón, fue nominado en las categorías Making off y Notas discográficas y el álbum Lecuona Jójazz, realizado conjunto a Jorge Luis Pacheco, Alejandro Meroño y Rolando Luna, también estuvo nominado en la categoría Jazz Cubano.


 Más información relacionada




Alejandro Falcón-Cuba Now Danzón (2014)

Temas y Musicos:
01. El bombín de Barreto (Don José Urfé)
Piano: Alejandro Falcón
Joven jazz band de Joaquín Betancourt
Guitarra eléctrica: Héctor Quintana
Bajo: Carlos Ríos
Tumbadora y güiro: Edgar Martínez
Drums y Timbal: Keisel Jiménez
Flauta: Evelyn Suárez
Clarinetes: Emir Santa Cruz
Saxo alto: Michel Herrera
Saxo tenor: Yuniet Lombida
Trompeta: Leider Chapottín 1 y 2
Trombón: Yoandri Argudín 1 y 2
Vibráfono: Lenon Ruíz
Invitado Alexander Abreu, solo de trompeta 

02. Now danzón (Alejandro Falcón)
Piano: Alejandro Falcón
Bajo: Carlos Ríos
Drums: Keisel Jiménez
Tumbadora: Guillermo del Toro

03. La trompeta mágica  (Alejandro Falcón)
Piano: Alejandro Falcón
Contrabajo: David Faya
Tumbadora y güiro: Guillermo del Toro
Drums y timbal: Keisel Jiménez
Violín 1 y 2: William Roblejo
Flauta: Evelyn Suárez
Invitado Julito Padrón, solo de trompeta 

04. Esas no son cubanas (Ignoacio Piñeiro)
Piano: Alejandro Falcón
Bajo: Carlos Ríos
Timbal: Keisel Jiménez
Tumbadora, campana y güiro:  Guillermo del Toro
Trompeta 1 y 2: Leider Chapottín
Trombón 1 y 2: Yoandri Argudín
Coros: Janniel Rodríguez y  Guillermo del Toro
Invitado Mayito Rivera, voz 

05. Canción para Romeu (Alejandro Falcón)
Orquesta Sinfónica del ISA adjunta al Lyceum Mozarteum Dirigida por José Antonio Mendez (Pepe)
Invitado Enrique Lazaga, güiro

06. Rompiendo la rútina (Aniceto Díaz)
Rhodes: Alejandro Falcón
Contrabajo: David Faya
Drums: Rodney Barreto
Tumbadoras: Edgar Martínez
Timbal: Keisel Jiménez
Coros: Janniel Rodríguez, Luna Manzanares, Guillermo del Toro
Invitados: Luna Manzanares, voz, Ernesto Camilo Vega, solo de clarinete

07. Mojito Criollo  (Frank Emilio Flynn)
Piano: Alejandro Falcón
Bajo: Carlos Ríos
Güiro: Guillermo del Toro

08. La Mora (Eliseo Grent)
Piano: Alejandro Falcón
Invitado:Pablo Milanés, voz

09. Para danzonear  (Alejandro Falcón)
Piano: Alejandro Falcón
Timbal: Keisel Jiménez
Violín 1: Jenny Peña
Violín 2: Camila Martell
Viola: Lisbet Sevila
Violoncello: Maylín Sevila
Invitado: William Roblejo, solo de violín

10. Monserrate (Alejandro Falcón)
Piano: Alejandro Falcón
Violín 1 y 2: William Roblejo
Trompeta 1 y 2: Leider Chapottín
Trombón 1 y 2: Yoandri Argudín
Contrabajo: David Faya
Tumbadora y güiro: Guillermo del Toro
Percusión: Yansiel Castro
Percusión: Dagoberto Arbeláez
Invitados: Ethiel Failde, flauta, Michel Herrera,solo de saxo alto

11. DJ Dance Song  (Alejandro Falcón)
Keyboards: Alejandro Falcón
Timbal: Keisel Jiménez
DJ Omi
Voz: Luna Manzanares

Dirreción musical, Arreglos Alejandro Falcón
Producción musical: Alejandro Falcón & Joaquin Betancourt
Producción ejecutiva, concepto del, DVD:  Mayra Torralba
Grabación, Mezcla & Masterización:  Maykel Bárzagas
Dirreción general DVDE:  René Arencibia

Grabado en Estudios Abdala, Masterizado en Estudio MB

domingo, 15 de octubre de 2017

Matahambre Son-Pequenas Historias del Oriente de Cuba



Quiero contarles una historia sobre un pequeño pueblo, un pueblo en la región santiaguera de Cuba. Hace mucho tiempo, según la leyenda, los soldados llegaron a esta aldea en busca de comida. Por suerte, los hermosos árboles de mango se alineaban en la calle principal de este pueblo. Los soldados arrancaron la fruta madura y llenaron sus vientres. Se dice que a partir de ese momento la aldea se conoció como Matahambre, el lugar donde termina el hambre.

La vida continuó en el pequeño pueblo. La mayoría de la gente trabajaba cultivando fruta o café. Trabajaron en los campos y celebraron con fiestas y bailes. Seguirlos en todas partes fue el sonido de la tradición musical conocida como Son. Debido a que el pueblo era pobre y no tenía centros culturales, las personas inventaron sus propias canciones y sus propios ritmos.
Ahora en este pueblo vivía un ingeniero de radio y televisión llamado Angel Faez, que podía escribir y organizar música y tocar la guitarra. Luego, estaba Alexis Vásquez, que podía tocar el contrabajo y Óscar Vásquez, que podía tocar los tres. También había un soldador llamado Raudel Garzón, que jugaba bongos y un carpintero llamado Pedro Correoso, que era un buen percusionista. Por último, había un topógrafo llamado Gilberto Carbonell, quien simplemente pudo cantar bastante bien y componer canciones. Estos tipos se juntaron y comenzaron a tocar, a menudo inventando sus propias canciones sobre personas en la pequeña aldea. Cantaron canciones sobre personas que conocían y la vida del pueblo a su alrededor. Estos compañeros se convirtieron en el Hijo de Matahambre.

La historia podría haber terminado allí en el pequeño pueblo sin ti o incluso sabiendo sobre este notable grupo, pero siempre hay un hada madrina en estas historias. En realidad, era un tipo de padrino de hadas. José Ochoa, afamado miembro del Buena Vista Social Club, apareció un día en Matahambre y escuchó música procedente del porche de la casa. José Ochoa sabía algo bueno cuando lo escuchó y convenció al sello alemán Danza y Movimiento para que fuera a Cuba a grabar este maravilloso grupo.
Matahambre Son es una colección de canciones escritas por los miembros del grupo y producidas por Mattias Möbius y José Ochoa Bustamante. Las canciones son encantadoras y vibrantes.

Pistas como "Los Pollitos", "Pensando" y "La Mulata y su movimiento" seguramente encantarán incluso a los temerosos en la pista de baile. Como bonus, el CD aparece en un folleto con la historia de Matahambre Son con impresionantes fotografías de los músicos y la gente de Matahambre por Susanna Rescio. Matahambre Son es prueba de que a veces grandes cosas suceden en pueblos pequeños. Y eso hace una buena historia._TJ Nelson (worldmusiccentral)




Matahambre Son-Pequenas Historias del Oriente de Cuba (2001)

Temas:
01. Los Pollitos
02. El Rumbon
03. El Borracho
04. Bigote De Gato
05. Gavino
06. Pensando
07. Niña
08. Problema Con Mi Mujer
09. Comentan Por Ahi
10. La Mulata Y Su Movimiento
11. El Perro
12. El Señor

Musicos:
Gilberto Carbonell-Voz
Óscar Vásquez-Tres, voces
Alexis Vásquez-Contrabajo
Angel Fernández-Guitarra, voces
Raudel Garzón-Bongo, voces
Pedro Correoso-Percusion

jueves, 12 de octubre de 2017

Chico O'Farrill - Carambola



El asombroso regreso de Chico O'Farrill a los 79 años continuó con esta fantástica colección de composiciones de estilo afrocubano, algunas nuevas, algunas de más de medio siglo de antigüedad. Originalmente escrito para Dizzy Gillespie, la melodía del título oscilante adopta un tratamiento afrocubano más complejo esta vez, con Michael Mossman capably teniendo en el trabajo de la trompeta. "La Suite Azteca", escrita para Art Farmer, se reúne suave y cohesivamente, con un trabajo aún más espectacular de Mossman - y "Crazy City (... pero lo amo") es "Gone City" (grabado por Machito en 1949) en una actuación más refinada, más rápida y menos frenética. La pieza más antigua, "Oye Mi Rumba" (1945), atrae a la cantante Graciela de la jubilación para un ambiente agradablemente auténtico. 
No se olvide de material más reciente como el tratamiento de O'Farrill de "Delirio" - un bolero hermoso, muy sofisticado en armonía - y "Rhapsody for Two Islands", una extravagante pieza diseñada para evocar a Cuba y Manhattan de una manera repentina y amplia -paced solo piano break que cita explícitamente "Rhapsody in Blue". Sin embargo, el punto culminante del CD es, sin duda, la re-grabación asombrosamente exitosa de la visionaria "suite de jazz afrocubana" de O'Farrill, 50 años después de que se cortara la versión original de Machito. 
Su rigurosa orquesta del siglo XXI hace que el material parezca aún más emocionalmente emocionante que antes, aunque se pierda el alto increíblemente fluido de Charlie Parker (el solista invitado Mario Rivera hace una puñalada honorable por parte de Bird) e irremplazablemente salvaje tambores Buddy Rich del Machito grabar. Este es un must-hear para los amantes del jazz latino._ Richard S. Ginell (allmusic)

Más información relacionada




Chico O'Farrill - Carambola (2000)

Temas
01 Carambola
02 The Aztec Suite
03. Delirio
04 Havana Blues
05. Vanna's Song
06. Crazy City (But I Love It)
07. Waller Excersise
08 Rhapsody for Two Islands
09. Oye mi rumba
10 Enamorado (Falling in Love)
11. Afro-Cuban Jazz Suite

Musicos:
Chico O'Farrill: compositor, arreglista, conductor
Arturo O'Farrill: piano, director musical
Michael Mossman: trompeta
Jim Seeley: trompeta
Jon Owens: trompeta
Matt Hilgenberg: trompeta
Kenny Rampton: trompeta
Gary Valente: trombón
Papo Vázquez: trombón
Sam Burtis: trombón
Jack Jeffers: trombón
Jimmy Cozier: saxo
Marshall McDonald: saxo
Mike Migliore: saxo
Peter Brainin: saxo
Max Scweiger: saxo
Andy González: bajo
Steve Berríos: batería, timbales, percusión, batá, chékere, congas, maracas, clave
Joe González: bongó, campana
Roland Guerrero: congas, woodblock, campana
Invitados:
Mario Rivera: saxo alto, flauta
Graciela: voz
Horacio El Negro Hernández: batería
John Benítez: bajo
Víctor Jones: batería
Lewis Kahn: violín
Christopher Komer: corno francés
Vincent Chancey: corno francés
Sandra Rodríguez: coro
Yolanda Maldonado: coro

jueves, 5 de octubre de 2017

Afrocuba - Eclipse De Sol



Grupo Afro-Cuba.Representa uno de los grupos más nuevos y sorprendentes entre los que se dedican no sólo a interpretar la música popular cubana, sino también a la búsqueda y la experimentación con el objetivo de ofrecer una reinterpretación de los valores culturales cubanos, de acuerdo con un contexto sonoro contemporáneo.
Inicios del grupo

Fue fundado en La Habana en 1977, e integrado por Nicolás Reinoso, director y saxofón tenor; José Carlos Acosta, saxofón soprano, compositor y arreglista; Fernando Acosta, saxofón soprano, compositor y arreglista; Roberto García,trompeta; René Luis Toledo, guitarra, compositor y arreglista; Ernán López-Nussa, piano; Ángel López, contrabajo; Tony Valdés, batería; Mario Luis Pino, tumbadora, y Anselmo Febles (Chembo), voz, percusión cubana y efectos especiales.

En 1978 el grupo obtuvo el Primer Premio del V Concurso Nacional de Música de la UNEAC. Con una amplia línea de trabajo donde está presente todo tipo de obras, Afro-Cuba tuvo sus propios compositores: «El repertorio del grupo está basado, fundamentalmente, en obras de sus propios integrantes, como René LuisToledo y Fernando Acosta, aunque también incluye números de otros autores cubanos como Armando Romeu.

Hay que destacar «las composiciones y orquestaciones de José Carlos Acosta, de una excepcional sensibilidad para los matices, el equilibrio entre los distintos bloques sonoros, los contrastes rítmicos y tímbricos y su facultad de crear efectos de gran dramatismo o deshacerlos en una atmósfera de jolgorio.

En Mazamorra, de Fernando Acosta, «a ratos nos parece estar oyendo una orquesta de mayores dimensiones, gracias a la eficaz armonización en los intrincados pasajes en bloque de los cuatro instrumentos de viento. Otra obra suya es “Porojo en 11/4”, cuyo título jocoso refleja simplemente la inserción del espíritu de un joropo venezolano en un compás de amalgama, de efectos ritmáticos poco usuales. “En lloró mi ñankwé” es un impresionante ejemplo de colaboración entre José Carlos y Chembo, en que el arreglo del primero complementa y realza el trabajo de Anselmo, al utilizar con otros propósitos y nuevas perspectivas, elementos de nuestra música de ascendencia carabalí (abakuá). Sin embargo, “Chembo” nunca se ciñe a la transcripción exacta o el uso de este o aquel elemento “folklórico”, sino que lo pone todo en función del mensaje estético, emocional. Es así como mezcla el instrumental de distintas etnias y países, utilizando instrumentos de origen brasileño o haitiano (como el kinfuiti), tambores arará, maracas y otros sonajeros de distintas procedencias, e incluso instrumentos de su propia invención». Este grupo también destaca por su nivel de improvisación.

En 1984 se inició su trabajo con Silvio Rodríguez; en ese entonces el grupo lo integraban Oriente López, director y teclados; Fernando Acosta, saxofón; Fernando Calveiro, guitarra eléctrica; Roberto García y Edilio C. Montero, trompetas; Omar Hernández, bajo eléctrico; Ernán López-Nussa, piano; Eddy Peñalver, canto y percusión;Mario Luis Pino, tumbadora, y Oscar Valdés Moreno, batería.En 1989 Afro-Cuba comenzó una nueva etapa con otros objetivos artísticos._ (ecured)



Banda experimental cubana fundada en 1977 por Nicolás Reinoso, director y saxofón tenor; José Carlos Acosta, saxofón soprano, compositor y arreglista; Fernando Acosta, saxofón soprano, compositor y arreglista; Roberto García, trompeta; René Luis Toledo, guitarra, compositor y arreglista; Ernán López-Nussa, piano; Ángel López, contrabajo; Tony Valdés, batería; Mario Luis Pino, tumbadora, y Anselmo Febles (Chembo), voces, percusión.
Ganaron algunos premios y en 1984 comenzaron su colaboración con Silvio Rodríguez, la alineación fue: Oriente López; teclados, flauta, director; Fernando Acosta, saxofón; Fernando Calveiro, guitarra eléctrica; Roberto García López y Edilio Calidad Montero, trompetas; Omar Hernández, bajo eléctrico; Ernán López-Nussa, piano; Eddy Peñalver, vocales, percusión; Mario Luis Pino, tumbadora, y Óscar Valdés Moreno, batería.


Más información relacionada




Afrocuba - Eclipse De Sol (1988)

Temas:
01. Carrusel
02. Eclipse De Sol
03. Carnaval Humanoide
04. Tornado
05. Aparecen Arcoiris
06. Mahatma

 

jueves, 28 de septiembre de 2017

Francisco Aguabella - Cantos a los Orishas


Nacido en Matanzas, Cuba, Francisco Aguabella es el maestro de los tambores bata y rumba de origen yoruba, así como de las tradiciones contemporáneas incluyendo el hijo cubano, la salsa y el jazz latino. Ha grabado y / o actuado con destacados artistas internacionales como Tito Puente, Cachao, Eddie Palimieri, Dizzie Gillespie, Cal Tjader, Lionel Hampton y Celia Cruz. Aguabella ha recibido el Premio Nacional de Patrimonio de la Fundación Nacional por las Artes y es el tema de una película documental de Les Blank, Sworn to the Drum.

Francisco es uno de los primeros eschelones de bateristas que vinieron a América y son los responsables de todos los tambores que vinieron después de ellos ", dice el percusionista latino John Santos en la película" Sworn To The Drum "." Es uno de los baluartes de nuestra música y siempre ha mantenido el compromiso con nuestro ritmo cubano. Juega con todo el mundo, pero siempre mantiene nuestro ritmo, eso es muy importante ", añade Isreal" Cachao "López.

 Chano Pozo es ampliamente reconocido como el primer baterista cubano que marca una marca en la escena musical estadounidense. Lo siguieron Patato Valdez, Cándido, Mongo Santamaría y Francisco Aguabella. Como maestro de la Bata (tambor parlante), Aguabella inmediatamente impresionó a muchos. Fue contratado a principios de Dizzy Gillespie y durante su carrera ha tocado y grabado con Peggy Lee, Tito Puente, Eddie Palmieri, Malo y Carlos Santana.


Lejos de sus habituales lanzamientos de jazz latino, Cantos a los Orishas de 2002 se centra en el otro lado del percusionista Francisco Aguabella. El título se traduce en "Canciones para los Orishas", o los dioses de la religión afro-cubana práctica religiosa. Estas 11 canciones, interpretadas por Aguabella en bata (los tambores sagrados de esta tradición) con un conjunto de percusión y voz, Sus Tambores Bata con el nombre de Aguabella, que son estrictamente conocidos por su música cubana, sin influencias del jazz americano en absoluto. Los cautivantes, polirritmos hipnóticos (conocidos como bembe) y las voces cantadas suenan incluso al principiante de la música del mundo como música ceremonial; el humor es solemne, aunque nunca dirge-como o sombrío, y celebratory a través. Este lanzamiento del CD combina cinco grabaciones más viejas lanzadas previamente en los cassettes de la pequeña-circulación con seis pistas a estrenar._Stewart Mason (allmusic)


Más información relacionada




Francisco Aguabella - Cantos a los Orishas (2002)

Temas:
01. Elegua 
02. Ochosi
03. Aggayu 
04. Chango
05. Oya 
06. Obba 
07. Los Ibeyi
08. Inle 
09. Osain 
10. San Lázaro
11. Orichaoco 
12. Aluya Pa Chango

jueves, 21 de septiembre de 2017

Rey Cabrera - Color Cuba


Rey Cabrera, tresero, Santiago de Cuba. Nacido en el pueblo de Dos Caminos a 25 km de Santiago de Cuba, lugar de nacimiento del "Hijo", el 23 de enero de 1943. Padre Cabrera fue construido musicalmente, cantó y tocó "tres", la guitarra cubana con cuerdas de 3x2, junto con su hermano mayor hijos que formó una orquesta y se les preguntó en cualquier fiesta en las montañas alrededor de Santiago. Con su hijo menor, el padre Cabrera tenía un vínculo especial, por lo que se sintió orgulloso de llamarlo "Rey" y lo aprecia de manera diferente a sus otros hijos. Los dos eran inseparables, tanto durante la cosecha de la caña como si Cabrera padre ejerce su tres, uno era, por tanto, sorprende que el pequeño Rey a los 5 años ya podía tocar el tres. Los viejos hermanos de Rey incluso lo llevaron a actuaciones y le gustaría a Rey como un niño ganar muchos partidos de música local .... cuando un amigo musical de la familia le dijo a Cabrera que Rey tenía un talento excepcional, el padre Cabrera soltó a su amado hijo para probar su suerte a la gran ciudad de Santiago. 
Ese amigo musical no era otro que el Padre Ochoa, el propio padre de los niños con talento, Humberto y Maria Eliades y desde finales de los 50 y Eliades Rey formaron un dúo musical, que eran músicos codiciados. Para la radio y la televisión CMKC cultivador Llamado que se centran en el grupo Trinchera Agraria, conocido por su "Campesina musica" después de unos años de éxito va bien Eliades como Rey a su manera, dos líderes nacidos deben abrir sus alas. Eliades conjuga el Cuarteto Patria y luego se titula "The Buena Vista Social Club" en el proyecto Ry Cooder. Rey se mantiene fiel a Trinchera Agraria, pero más tarde se une a la Vieja Trova Santiaguera pero Cuba es Cuba y cuando este grupo tiene permiso para viajar Rey hay abucheos o Ba reemplazado por un músico de la Habana. Pero rápidamente, Rey se convierte en director del grupo Corazon de Son, el grupo asesor de Maria Ochoa. Un CD es grabado producido por la marca americana Blue Jackel, que será la primera gira mundial en 2000 y 2002. Durante esta gira, Rey permanecerá en Bruselas y seguirá su propio camino, el grupo Rey Cabrera y Sus Amigos. Deja atrás su amada isla, pero nos trae su hermosa música, que se convierte en un éxito belga / cubano. Mientras tanto, 3 CD, "Color Cuba", interfieren con los clásicos cubanos, luego "Cubel Son" (2011) es grabado, con obra única, oda a Cuba Belgium y su estilo musical Son. 
El CD "Controversia" es un CD muy popular, Rey pone su vida en sus textos, el campo y la música juntos, con algunos ojos parpadeantes sobre su vida en Bélgica. En 2016, Rey toma un EP con cinco canciones "soy yo" traducido literalmente "este soy yo" ser sentimental, canciones que le gusta compartir con todo el mundo, sin pretensiones, pero fiel a los diferentes estilos que son conocidos en el este de Cuba , el sol, la guajira, el bolero cha, changui ... en mayo de 2017 habrá un "mejor de", una colección de canciones propias con todos estos estilos musicales diferentes._ (reycabrera)





 Rey Cabrera - Color Cuba (2007)

Temas:
01. Quien Sabe Sabe

02. Canto in Bruselas
03. Estoy Hecho Tierra
04. Mi Caribena Pinera
05. Hojas Muertas
06. El Paralitico
07. Le Dije a Una Rosa
08. A Baracoa Me Voy
09. Hasta Siempre Comandante
10. Ahora Me Da Pena
11. Los Testigos
12. Mi Calderito
13. La Comparsa
14. Mujeres De Mayari
15. Manana Me Voy Pa' Sibanicu
16. Las Perlas De Tu Boca


Información cedida por Hector Guillermo Copete



viernes, 15 de septiembre de 2017

Celia Cruz con la Sonora Matancera-Mambo del Amor



Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad. Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y del ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos (Dolores, Gladys y Barbarito) y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar.

Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que, encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos. Con otras canciones y nuevos forasteros, la pequeña Celia calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior.

Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición; su padre quería que fuese maestra, y Celia, no sin pesar, intentó satisfacerle y estudiar magisterio. Pero pudo más el corazón: cuando estaba a punto de terminar la carrera, la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Ya por entonces cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió un pago de quince dólares en Radio García Cerrá.
Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950, cuando ya había intervenido en varias emisoras, pasó a integrar el elenco del célebre cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de La Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Myrta Silva, la solista oficial de la orquesta. Con más de dos décadas de trayectoria a sus espaldas, La Sonora Matancera era por entonces una orquesta popular, bien conocida por su predilección por los ritmos negros y los sones de trompeta; con la incorporación como primera vocalista de Celia Cruz, que acabaría siendo el alma del grupo, la orquesta viviría su edad de oro... Seguir leyendo





Celia Cruz con la Sonora Matancera-Mambo del Amor (1992)

Temas:
01. Vamos A Guarachar
 
02. A Todos Mis Amigos
03. Matiagua 
04. Vailan Vallende    
05. Cha Cha Guere    
06. No Se Lo Que Me Pasa    
07. Bongo 
08. Luna Sobre Matanzas 
09. Me Voy A Pinar Del Rio 
10. Tuya Y Mas Que Tuya 
11. Saoco
12. El Lleva Y Trae 
13. Mi Amor, Buenas Noches
14. Agua Pa' Mi
15. Cao Cao Mani Picao
16. Mambo Del Amor

domingo, 10 de septiembre de 2017

Zapato Negro - Zapato Negro


Con músicos de Canadá, Cuba, Venezuela y Estados Unidos, este quinteto ha sido rápidamente creando una reputación por su propia emocionante mezcla de jazz progresivo y ritmo afrocaribeño.
Sus miembros han tocado esta música al más alto nivel, haciendo contribuciones de su propia internacionalmente a la música como un todo. Sabiendo que no es suficiente tener personas con talento, Zapato Negro se ha convertido en una banda real a través del trabajo duro y la comunicación, lo que les permite desarrollar un repertorio de conciertos ecléctico y emocionante que incluye composiciones originales, subyacentes estándares de jazz realizados en clave y clásicos de la música latina reelaborados , reharmonized o re-rhythmicized en jazz.

Su disco de debut en vivo "Zapato Negro", nominado como "Mejor Grabación de Jazz del Año" en los Western Canadian Music Awards






Zapato Negro - Zapato Negro (2006)

Temas:
01. Jazz Tumbao Thing
02. A Final Wish
03. Segundo Recreo
04. Caminando
05. 20 Years Later
06. Frankness
07. City Wildflower
08. Blanc Et Noir
09. Caravan

Musicos:
Miguel Angel "Miguelito" Valdés-Trumpet & Flugelhorn
André Carrasquero-Piano
Allan Johnston-Bass
Gilberto Moreaux -Drums
Ivan Soto-Congas

sábado, 2 de septiembre de 2017

Bahisón - De Bahison A Rapindey


Marcelino Guerra es una de esas numerosas figuras de la música popular cienfueguera cuya impronta ha marcado el quehacer de las nuevas generaciones de compositores e intérpretes, más allá de la geografía local.
En 1999, el sello discográfico cubano Bis Music estrenó “De Bahisón a Rapindey”, un fonograma nacido en los estudios cienfuegueros de grabación “Eusebio Delfín”. Bahisón era, entonces, un proyecto musical dirigido por el maestro Felito Molina, a quien “le había caído en las manos, algo que andaba por ahí de Marcelino Guerra”: nada menos que una grabación casera registrada en cassette por “Rapindey”, en algún momento de su estancia en España. La “joya” fue a parar a manos de Lázaro García que la convirtió en “una linda manera de recordar” al autor de temas imprescindibles al hacer la historia de la música cubana.

Aunque, hasta hoy, no se precisan fecha ni lugar exacto de su nacimiento, Marcelino Guerra es cienfueguero. Lo de “Rapindey” le viene por la agilidad con que daba los recados.
Superada la etapa adolescente, que transcurrió en Santi Spíritus, para 1930, La Habana se convierte en su lugar de residencia; Marcelino llega a la capital cuando los boleros amenazaban pasar de moda pero, sólo año después, ya forma parte de la nómina de agrupaciones como el “Septeto de Ignacio Piñeiro”, el “Cauto”, de Manuel Borgellá, y el “Siboney”; comparte escenarios con Panchito Riset o Reinaldo Hierrezuelo, y estrena temas en coautoría con Julio Blanco Leonard, Bienvenido Julián Gutiérrez y Panchito Calvo, en composiciones como “La clave misteriosa”, “Convergencia” o  “A mi manera” que son popularizadas, a través de orquestas como la de Cheo Belén Puig, Anacaona, Mariano Mercerón y la banda gigante de su coterráneo Beny Moré.

En 1944, Marcelino viaja a New York para grabar varios números, la oportunidad de alternan escenarios con figuras de la talla de Chano Pozo y Dizzy Guillespie; en Manhattan, sus composiciones son interpretadas por grupos como el “AfroCubans” de Frank Grillo, Machito, del que Rapindey pasa a ser cantante y voz líder. Este mismo año conoce al Trío “Los Panchos” que popularizan su tema “Me voy pa’l pueblo”. En la década del ´60 deja la orquesta y se enrola en la marina mercante hasta que el productor de discos René López lo contrata para grabar varios de sus temas.
Radicado en El Campello, Alicante, España, Marcelino Guerra se las ingenia para dejar una memoria sonora de los días signados por el aire de la despedida. Y así, como lo sintió, entonces, lo escuchamos ahora junto al maestro Felito Molina y Bahisón; merecido y sincero tributo de Cinfuegos y Cuba a Rapindey._(lafernandina)






Bahisón - De Bahison A Rapindey (1999)

Temas:
01. Pícaro
02. Me Voy Pa'l Pueblo
03. El Guajiro
04. Buscando La Melodía
05. Me dieron La Clave
06. Quítate
07. Arrebatadora
08. Juventud
09. Volví A Querer
10. Cuando Se Canta Bonito
11. A Mi Manera
12. Pare, Cochero
13. Convergencia
14. Arrollando Se Va

miércoles, 30 de agosto de 2017

Billy Wooten - Evening on the Canal



Justo después de la muerte de David Baker se ha sabido que otro fanático del jazz de Indianápolis falleció esta semana, el vibrafonista Billy Wooten. En una carrera que abarca seis décadas, Billy Wooten grabó y actuó con una impresionante gama de artistas, entre ellos Grant Green, Smokey Robinson, Donny Hathaway, Gladys Knight, The Soulful Strings, The Four Mints y Richard Evans entre otros. Pero fue la propia música de Wooten, grabada tanto como solista como con grupos que co-fundó, lo que llevaría su nombre a la atención internacional.

Nacido en la ciudad de Nueva York, Wooten se enamoró de Indianápolis mientras actuaba en los Estados Unidos como un joven músico de jazz en los años sesenta. Wooten se convirtió en un popular favorito en los clubes de Indianápolis como The Hub-Bub Lounge y The 19th Hole y finalmente decidió hacer Indy su base permanente. Wooten era un accesorio en el circuito del jazz de Indianapolis por décadas, realizando docenas sobre docenas de conciertos anualmente en Indy durante los años 70, 80 y 90.

Si bien Wooten fue sin duda un tremendo artista en vivo, fue su trabajo como un artista de grabación que más eficazmente estableció su reputación en el mundo del jazz. La primera y posiblemente la mayor exposición nacional de Wooten provino de su actuación en un par de importantes lanzamientos de Blue Note Records por el icónico guitarrista de jazz Grant Green. Las vibraciones de Wooten se destacan en Green Visions y Shades of Green, ambos LPs que fueron grabados y emitidos en 1971.

Después de terminar su permanencia en la banda de Green, Wooten regresó a Indy para comenzar una residencia extendida en el club nocturno The 19th Hole. En 1972 un par de LPs nacieron de la actuación de Wooten en el club, The Nineteenth Whole's Smilin 'grabado por el prominente productor de jazz Bob Porter para los Eastbound Records distribuidos a nivel nacional, y el grabado y lanzado localmente álbum de madera Recorded Live.

Mientras que Wooden Glass 'grabado en vivo recibió poca atención en el momento de su lanzamiento, el LP se ha convertido en un coleccionista muy buscado para los fans de soul-jazz y funk. Copias originales del álbum de vidrio de madera están en alta demanda con los coleccionistas, y su bootlegged y reeditado varias veces a través de los años. Las pistas del LP también han aparecido en comps raro del surco del alto perfil y han sido probadas por artistas de hip-hop como Madlib y Mos Def.

The Wooden Glass no es el único LP publicado localmente en el catálogo de Wooten que se ha convertido en un artículo colectado internacionalmente del colector. El lanzamiento en solitario de Wooten para 1979, In ??This World, es muy apreciado por el heavy groove cut "Chicango" y su LP de 1980 con el Naptown Afro-Jazz Quintet también atrae un interés significativo por parte de los conocedores de discos. El Naptown Afro-Jazz Quintet sigue siendo uno de los grupos más singulares en la música de Indianápolis, apareciendo las vibraciones de Wooten con el tamborileo del gran percusionista nigeriano Julius Adeniyi basado en Indianápolis.

Como muchos grandes del jazz de Indy, el trabajo de Wooten parecía dado por sentado localmente. Pero Wooten ha alcanzado el estatus de una leyenda en Europa y Japón. En 2003, Wooten fue invitado a Londres para recrear sus clásicas grabaciones en Indianápolis con el mod UK new school funk group Velocímetro. Y la música de Wooten es una gran mercancía en Japón, donde las estanterías de las tiendas de discos están llenas de lanzamientos de solo Japón con títulos como Billy Wooten Live en The Madame Walker Theatre y Billy Wooten una noche en el Canal.

Me entristece decir que dudo seriamente de que la muerte de Wooten sea muy importante. Pero no tengo duda de que su legado seguirá siendo celebrado y apreciado por los aficionados a la música de todo el mundo._Kyle Long (nuvo)



Más información relacionada




Billy Wooten And The Music Royale Latin Jazz Ensemble - Live At The Madame Theatre (1994-2013)

Temas:
01. Night In Tunisia 
02. Giving
03. Alaba Luce
04. Lay Bare The Heart 
05. Dejame Sonar
06. Transformation 
07. Dancing & Singing
08. Co Co Se Co 

Musicos:
Vibraphone - Billy Wooten
Alto Saxophone - Alonzo "Pookie" Johnson
Baritone Saxophone - Robert "Bert" Parrish
Bass - Willie Ramos
Bass (Wood Bass) - Jonathan
Conductor, Flute, Alto Saxophone - George "Sparky" Smith
Guitar - Dave Laskey
Percussion - Larry Clark
Percussion (Latin Percussion) - Mike Mc Farland
Piano - Carl Hines
Tenor Saxophone - David Young
Trombone - James Pratt 
Trumpet - Allen Miller, Clifford Ratliff, Mike Schofield 
Violin - Jesus Florida
Vocals - Maria Sciliano, Shana 

sábado, 26 de agosto de 2017

Taumbu International Ensemble - Song to The Ancestors

Taumbú nació en Los Ángeles, California. Es productor, compositor, músico, artista visual, artesano y fundador, director y líder de The Taumbu International Ensemble. Tiene más de cincuenta años en el mundo de la música interpretando y grabando con numerosos grupos de muchos países. De esta rica acumulación de experiencias [en folclore y jazz] se formó el emocionante y exótico Ensamble Internacional de Taumbú. Con su conjunto, ha tocado en todo el mundo, incluyendo Haití, México y las Islas Virgenes, etc Sus créditos de rendimiento incluyen Horace Tapscott, Archie Shepp, Guy DuRosier y Joe Henderson.

El dominio de Taumbú del instrumento se ve reforzado por su profundo conocimiento de la historia y la filosofía espiritual que acompañan a la miríada de ritmos africanos que invoca durante las actuaciones. Produjo y publicó la emocionante canción CD de la banda para los Ancestros y otro CD Encantado. Taumbú es también un talentoso artista visual, maestro de flauta de bambú y ha enseñado talleres de percusión en México. Taumbú es también conocido internacionalmente como un fabricante e instructor de instrumentos. Él ha hecho videos de instrucción web sobre cómo hacer y tocar flautas de bambú y shekeres. Nacido de las cenizas de la Segunda Guerra Mundial, criado en la selva urbana del sur central de Los Ángeles, Taumbú cree que "esta música es un testimonio de nuestra supervivencia y nuestra lucha por un lugar en este mundo". Toca congas y percusiones En las bandas sonoras de I Build The Tower, Watts Prophets, The Gap y Masters of Invention, una película de HBO Documental que utilizó su composición original "Song to the Ancestors" como tema de la canción.

Tanto sus CDs autoproducidos son muy buscados y han sido elegidos en varios programas de radio como registros de la semana / mes / año. Los créditos de grabación de Taumbú incluyen a Sweet Baby J'ai, a Henry Franklin, a Richard Buxton, a Randy Tico, a Dale Fielder, a Phil Ranelin, a Lorraine Fielder, a Onaje Murray, a Horace Tapscott, a Dawan Muhammad, a Nopalera ya Splash. Taumbu se destaca en Ranelin's A CERRAR ENCUENTRO DE LA MEJOR MEJOR clase debido a la insistencia de Ranelin sobre una fuerte base rítmica africana como parte de la identidad de Phil Ranelin Jazz Ensemble._ (thejazzcat)





Taumbu International Ensemble - Song to The Ancestors (1992)

Temas:
01. Song To The Ancestors
02. Cabildo de Oya
03. Little Desert Fairy Princess
04. Mayambe
05. Merci Bon Dieu
06. Por Eso Canto
07. Lito's Son
08. Peace in The Middle East

Musicos:
Taumbú - Congas,Bambú Flute,Vocals,Perc
Felicidad - Vocals, Perc
Jessie Sharps - Soprano & Tenor Saxophone
Daniel Jackson - Tenor Saxophone, Picallo
Mike Turre - Tenor Saxophone
David Millard - Cello, Flute
Juanito Reyes - Trumpet
Sal Craciollo - Trumpet
Bobby Rodriques - Trumpet
Johnny Polanco - Tres
Guillermo Piñero - Guitar
Emlio Perez - Piano
Gunner Biggs - Contra-Bass
Eddio Resto - Electric Bass
Harold Muñiz - Congas, Timbales,Bata Drums
Osvaldo Ocasio - Timbales, Ad-Lib Vocals
Ramon Banda - Timbales, Trap Drums
Raul Rivera - ata Drums, Chekere, Perc.
Lazaro Galaraga - Ad-Lib Vocals
Ochun, Melena De Olga, Rachel Banda, Marina Bambino
Osvaldo Ocasio - Chorus

martes, 22 de agosto de 2017

Guillermo Portabales - Viva Portabales



Guillermo Portabales. Fue un cantante y trovador cubano que destaca en la primera mitad del siglo XX en la interpretación de boleros, tangos y en la música campesina, realiza gran parta de la carrera artística en Puerto Rico.
Nace el 5 de abril de 1911 en Rodas, perteneciente a la actual provincia de Cienfuegos, ubicada en la región central de Cuba.
Hijo del español José Quesada y la cubana Mercedes Castillo, a los seis años de edad muere el padre y Mercedes contrae segundas nupcias con Andrés Portabales, a los 11 años comienza a trabajar como asistente de una imprenta.
En 1928 comienza a estudiar guitarra y canto, cantando boleros y tangos en calidad de trovador y dando serenatas, más adelante se incorpora a una compañía teatral de variedades en Santiago de Cuba.
Canta el punto cubano en la forma original, en una modalidad melodiosa y con una suavidad poco acostumbrada en ese estilo campesino.
Debido al éxito alcanzado en esa fórmula casi fortuita de canto, hizo que a partir de esas tonadas, se le comienza a conocer como El creador de la guajira de salón.
En 1936 viaja a Puerto Rico contratado por Leopoldo Fernández donde es recibido como un icono de la música campesina, permanece allí dos años y durante este tiempo contrae nupcias con la joven Arah Mina López.

Es en tierras boricuas donde este trovador comienza una larga vida de grabaciones y viajes alrededor de todo Centroamérica con la disquera RCA Víctor la primera en fijar los deseos en grabarle al casi desconocido trovador.
En 1939 regresa a Cuba, es recibido con verdadero beneplácito, los temas musicales que interpreta son conocidos en toda Cuba, así los compositores cubanos comienzan a entregarle las mejores guajiras, género musical que él recibe en que también destaca, sobre todo de Ñico Saquito, Celia Romero y Roberto de Moya.
En la radio comparte escenario en RHC Cadena Azul con el Trío Matamoros y actúa en el programa Rincón Criollo del Circuito CMQ.
En 1953 regresa a Puerto Rico donde permanece hasta 1959. En esa época graba en Cuba varios Lp con la disquera Gema; los realiza en la emisora radial Radio Progreso.
Fallece el 25 de octubre de 1970 en San Juan, Puerto Rico en un accidente automovilístico._ (ecured)






Guillermo Portabales - Viva Portabales (1982)

Temas:
01. Cumbiamba
 
02. De 1920 
03. A La Orilla Del Cauto 
04. Nostalgia Guajira 
05. Asi Es Mi Guajira
06. Tristeza Guajira
07. Oye Mi Son
08. Guantanamera
09. Junto Al Rio 
10. El Arroyo Que Murmura 
11. Cuando Sali De Cuba
12. Yo Te Canto Puerto Rico

jueves, 17 de agosto de 2017

Bobby Matos & Heritage Ensemble - Collage Afro Cuban Latin Jazz



El percusionista Bobby Matos es uno de los bateristas más respetados en todo el género de jazz afro-cubano / latino. Nacido en el Bronx, ciudad de Nueva York, el 24 de julio de 1941, Matos vino de una familia musical, pero estaba más interesado inicialmente en bailar que en tocar un instrumento. Matos no empezó a tomar el tambor seriamente hasta sus últimos años de la adolescencia, mientras que también aprendía cómo jugar la conga en los sótanos de las iglesias en Harlem, mientras que miró para arriba a los artistas tales como Tito Puente para la inspiración. Fue en esta época que Matos se unió a su primera banda, Los Congueros, compuesta únicamente de conga, flauta y bajo. A finales de los años 60, Matos se había graduado como director de banda (al igual que el movimiento de salsa comenzó a ganar a vapor), resultando en una de sus canciones más conocidas, "My Latin Soul", producida por Joe Cain, una figura respetada en latín jazz. 
Pero en lugar de continuar como líder de la banda, Matos decidió centrarse estrictamente en su percusión, ya que trabajó como sideman durante las próximas dos décadas. En los años 80, Matos se había trasladado a California y comenzó a grabar nuevo material. En los años 90 publicó regularmente álbumes: Collage Afro Cuban Jazz de 1993, Chango Dance de 1995, Footprints de 1996, My Latin Soul de 1997, Sesiones de 1998 (una recopilación de algunas sesiones en las que Matos tocó durante 14 años) 1999's Live en MOCA, y Mambo Jazz de 2001, el último de los cuales fue una colaboración con el tambor baterista de jazz John Santos._Greg Prato (allmusic)

Mas información relacionada




Bobby Matos & Heritage Ensemble - Collage Afro Cuban Latin Jazz (1993)

Temas:
01. Herencia            
02. Groovin'        
03. Guiro Elegua            
04. Creator Has a Plan, The            
05. Bembe/The Promised Land            
06. La Traicion            
07. Cuidado            
08. Fairy Tales            
09. Naked City Theme (Somewhere in the Night)            
10. Afro Cubismo

Musicos:
Bobby Matos (vocals, congas, shekere, timbales, mixers, background vocals)
Darrell Harris (vocals, vibraphone, claves, percussion, background vocals)
Johnny Polanco (guitar, guiro)
John Crespo, Mark Gutierrez (guitar)
Antoine Dearborn (quinto, congas, bongos, shekere)
Louis Taylor, Jr. (flute, soprano saxophone, tenor saxophone)
Danilo Lozano (flute, bongos, percussion)
Artie Webb, Art Webb (flute)
Mike Daigeau, Arturo Velasco (trombone)
Sergei Kasimov (piano, bells)
Tom Regis (piano, bells, mixers)
Jon Eisen (piano)
Angel Pagan (vibraphone, bongos)
Canute Bernard, Jr Collage-Afro Cuban Jazz songs. (drums, congas, claves)
Carlos Manuel "Caito" Diaz Alonso (congas, bongos)
Indio Moret (congas); Danny Saenz (bongos); Joseph Gomez (claves, bells)
Thaddeus Gallizzi, Adam Rudolph (claves)
Danny Robinson, Bobby Molina, Maisha Grimes, Tony Canty (background vocals)
John Santos (mixers)

martes, 15 de agosto de 2017

Lissy Álvarez - Pianíssimo



La joven pianista Lissy Álvarez bebió de la música desde los cinco años -su abuelo, Adalberto Álvarez, su tío y su padre, Enrique Álvarez, fueron verdaderos emblemas de la música cubana-, y poco lo costó dedicarse profesionalmente teniendo en cuenta que tanto su deseo como su entorno más cercano se lo pedían a gritos. «Afortunada» es la palabra que más pronuncia al referirse a la celeridad con la que su carrera ha avanzado en los últimos tres años y al apoyo que ha recibido por parte de grandes artistas del país como Chucho Valdés o el propio Frank Fernández. 
Sin embargo, Lissy Álvarez y su quinteto de La Habana han sabido beber de todo eso para «acercarse a una fusión, a un latin jazz» que cuenta con un estilo propio, una forma de «interpretar esa música clásica cubana y reformularla de forma actual, hacer que no se duerma al fin y al cabo». Desde «Guantanamera» hasta «Habanera del ángel» de José María Vitier y pasando por la música clásica del XVII y XIX, Lissy logra tomarlo todo y hacer de todo lo culto, lo popular...



Más información relacionada




Lissy Álvarez - Pianíssimo (2009)

Temas:
01. Elegguá (Joaquín Betancourt)
02. Tico-Tico No Fubá (Zequinha Abreu)
03. Mulata del Tranvía (Andrés Alén)
04. Pare Cochero (Marcelino Guerra)
05. A una Madre (Joaquín Betancourt)
06. Cachita (Rafael Hernández)
07. Todo o Nada (Vicente Garrido)
08. Pa' Gozar (Tata Guines)
09. Señora (Joan Manuel Serrat)
10. Son de la Loma (MIguel Matamoros)
11. La Comparsa (Ernesto Lecuona)

 

Información cedida por Hector Guillermo Copete
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

.

.

Mi lista de blogs